Симферопольский художественный музей

10 шедевров из собрания Донецкого художественного музея ко Дню воссоединения ДНР, ЛНР, Херсонской и Запорожской областей с Российской Федерацией

В честь Дня воссоединения ДНР, ЛНР, Херсонской и Запорожской областей с Российской Федерацией представляем 10 выдающихся произведений из коллекции Донецкого республиканского художественного музея. Информация была предоставлена музеем г. Донецка в рамках проекта, приуроченного к Международному дню музеев.

10 шедевров
из собрания Донецкого республиканского
художественного музея

1. Неизвестный художник второй половины XVIII в.
ПОРТРЕТ МАЛЬЧИКА У КЛАВЕСИНА. 1760-е
холст, масло. 151×106,5 см
Инв. ж-1069

Поступление: в 1971 приобретён у А. К. Хмыровой, Донецк.

Парадный портрет исполнен неизвестным русским (?) художником в духе идей эпохи Просвещения. Портретируемый изображен в полный рост. Жестом левой руки он указывает в сторону клавесина с нотами на вычурной подставке. В характеристике модели важную роль играет изображение атрибутов искусства и науки, формирующих её личность: открытый клавесин, ноты, лист бумаги с примером на вычитание столбиком (решён правильно), аллегория трех знатнейших искусств, глобус, архитектурные чертежи, книги и прочее. Несомненно, всё это призвано показать разносторонние знания портретируемого.

Согласно предположению старшего научного сотрудника ГЦХНРМ им. И. Э. Грабаря И. Е. Ломизе, изображён Николай Александрович Львов (1751–1803) – архитектор, поэт, музыкант, собиратель русского музыкального фольклора.

2. Лампи старший, Иоганн-Баптист
1751, Ромено, Южный Тироль, Австрия – 1830, Вена
ПОРТРЕТ ВАСИЛИЯ СТЕПАНОВИЧА ПОПОВА. Не ранее 1792
холст, масло. 70,5×59 см
Инв. ж-1195

Поступление: до Великой Отечественной войны портрет находился в собрании Сталинской картинной галереи, в 1941–1945 гг. хранился у местного художника Е. Е. Грейлиха, в 1945 г. поступил в Киевский государственный музей русского искусства (ныне – Киевский национальный музей русского искусства), в 1975 возвращён в Донецкий областной художественный музей.

Попов Василий Степанович (1743–1822) – русский государственный деятель, сенатор, президент Камер-коллегии, директор Горного корпуса личный секретарь и управляющий канцелярией князя Потёмкина, статс-секретарь Екатерины II.

Известный австрийский художник Иоганн-Баптист Лампи (старший) приехал в Россию в 90-е годы XVIII века по приглашению князя Потёмкина. После скорой и внезапной смерти Потёмкина Лампи был приглашён Екатериной II в Петербург, где пробыл с 1792 по 1797 год. Протекцию Лампи составил Василий Степанович Попов.

«Портрет Василия Степановича Попова» написан Лампи не ранее февраля 1792 года, когда тот был награждён Орденом Св. Александра Невского.

Известно, что Попов обладал блестящими способностями и недюжинным умом. Будучи незнатного происхождения (сын провинциального священника) он сумел достичь самого высокого положения, быть необходимым трём императорам (Екатерине II, Павлу и Александру) и обойти все придворные интриги против себя.

Однако художник ни намёком не раскрывает глубину и своеобразие личности Попова, уделяя больше внимания живописному совершенству. Лампи чужды поиски правды характера, чувства, движений, которые составляли драгоценную и самобытную особенность творчества его русских современников.

3. Кипренский Орест Адамович
1782, мыза Нежинская, близ с. Копорья под Санкт-Петербургом – 1836, Рим, Италия
ПОРТРЕТ ПЕТРА НИКОЛАЕВИЧА ЧЕБЫШЁВА. 1820-е
холст, масло. 62×54 см
Инв. ж-401

Поступление: в 1960 передан из собрания Киевского государственного музея русского искусства (ныне – Киевский национальный музей русского искусства). Ранее (до 1956) – в собрании В. В. Папазяна, до 1953 – в собрании Н. Н. Рейха, Ленинград.

Имя изображенного долгое время оставалось неизвестным. «Подсказкой» для его определения послужил орден: на шее изображённого хорошо виден покрытый эмалями знак на голубой муаровой ленте, на левой стороне груди – звезда Константиновского ордена Святого Георгия. Окончательная атрибуция была проведена в 2020 году и принадлежит российскому историку Александру Владимировичу Кибовскому, который установил, что на портрете изображён Пётр Николаевич Чебышёв.

В молодые годы Пётр Чебышёв служил в Черноморском гренадёрском корпусе и принимал участие в войнах второй антифранцузской коалиции в составе эскадры под командованием адмирала Федора Ушакова.

В 1799 г., во время штурма Корфу, Чебышёв участвовал во взятии форта Сан-Сальвадор. Отличился он при захвате города Фано. 7 июня, возглавив штурм крепости Сенигаллия, Чебышёв был тяжело ранен и отправлен на лечение домой в Крым. 5 ноября 1800 Ушакову от короля Фердинанда IV прислали для Чебышёва Константиновский орден Святого Георгия.

Выйдя в отставку, Петр Николаевич проживал преимущественно в Петербурге. Был известен как меценат. Занимался недвижимостью, разбогател на винных откупах. Увлекался театром.

В портретируемом угадывается мыслящая личность с независимым характером и сложным духовным миром, склонная к открытому проявлению чувств – в эпоху романтизма быть нежным и мечтательным для аристократа не зазорно. Направленный за пределы картины взгляд подчеркивает уединённость модели, погружённость в собственные мысли.

Произведение Ореста Кипренского – прекрасный образец русского романтического портрета первой половины XIX века.

4. Гребнев Александр Николаевич
1842–?
ИНТЕРЬЕР КАРТИННОЙ ГАЛЕРЕИ В. А. КОКОРЕВА. 1864
холст, масло. 80×108 см
Инв. ж-393

Поступление: в 1960 передана из Дирекции художественных выставок и панорам Министерства культуры СССР, Москва. Ранее (с 1930 по 1957) – собрание Г. Б. Смирнова, Москва; до 1930 – ВХУТЕМАС-ВХУТЕИН; с 1873 – МУЖВЗ.

«Интерьер картинной галереи В.А. Кокорева» – уникальное произведение, сохранившее для потомков неоспоримое свидетельство существования в Москве в начале 1860-х годов публичной галереи (возникшей почти за 20 лет до открытия Третьяковской галереи!).

Кокоревская галерея была московской сенсацией и достопримечательностью. В залах галереи экспонировалось 430 живописных полотен русских и западноевропейских мастеров. Здесь были Левицкий, Боровиковский, Кипренский, Тропинин, Венецианов, Айвазовский, Ван Дейк, Ян Брейгель, Пуссен, Грёз. Гордостью собрания были 39 полотен Карла Брюллова – любимого художника владельца галереи – Василия Александровича Кокорева (1817–1889).

Портретные шедевры «Великого Карла» размещались в парадном «брюлловском» зале – единственном из восьми залов, где русское искусство в смешанном показе с европейским, наглядно демонстрировало свой высокий уровень. Этот парадный зал и запечатлел на полотне художник Александр Николаевич Гребнев – воспитанник Московского училища живописи, ваяния и зодчества, один из самых способных учеников известного мастера интерьерной и портретной живописи – Сергея Зарянко.

Льющийся сверху через стеклянную крышу дневной свет придаёт интерьеру особую естественность, как и умело вписанные фигуры зрителей, занятых рассматриванием картин. Свет то мягко обтекает объёмы мраморов, то вспыхивает бликами на самоцветных вазах, стеклянном колпаке и золочёных рамах, то матово отражается на коже и дереве мебели. Настроение тишины, покоя, гармонии искусства и человека сообщает картине особое очарование.

Галерея Кокорева просуществовала недолго. К концу 1860-х годов она была закрыта из-за тяжёлого финансового положения владельца, оказавшегося на грани краха. Большая часть произведений Василия Кокорева была приобретена для коллекции государя наследника цесаревича Александра Александровича и впоследствии оказалась в собрании Государственного Русского музея.

5. Шишкин Иван Иванович
1832, Елабуга, Вятская губерния – 1898, Санкт-Петербург
БЕРЕЗОВЫЙ ЛЕС. 1871
холст, масло. 70×110,5 см
Инв. ж-1207

Поступление: в 1977 приобретена у О. Ф. Виноградовой, Москва. Ранее – собрание В. Н. Виноградова, Москва.

Имя Ивана Ивановича Шишкина по праву вошло в золотой фонд русского искусства. В его творчестве заключена целая эпоха нового русского пейзажа.

Картина «Березовый лес» предположительно была представлена на первой передвижной выставке в Москве в 1872 году. В пейзаже нет резких контрастов света. Большое внимание художник уделяет рисунку. Небольшая глубина пространства и неширокий его охват позволяют увидеть конкретно, а не обобщённо, деревья, кустарники и травы.

Ещё в ученическую тетрадь Иван Шишкин записывает мысли о том, что работа с натурой – главнейшая для художника-пейзажиста. В основе творческого метода художника лежало неустанное, подвижническое, скрупулёзное изучение природы. Он стремился постичь особенности каждой породы деревьев, каждого дерева, и создать на этой основе типический образ русской природы.

Своеобразие произведений художника – в устойчивости, целостности ощущения мира живой природы, в его преклонении и любви к родной земле, сильном и самобытном таланте. Именно поэтому созданные мастером пейзажные образы продолжают находить отклик в душах зрителей, пробуждая чувство глубокого восхищения родной природой – её мудростью и многообразием.

6. Айвазовский Иван Константинович
1817, Феодосия – 1900, там же
МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ. КОКТЕБЕЛЬ. 1880
холст, масло. 104×147,5 см
Инв. ж-1219

Поступление: в 1975 приобретен у В. А. Губы, Ленинград; ранее – собрание В. Е. Дембской, Ленинград.

Иван Айвазовский – выдающийся русский маринист, художник с мировым именем, по словам Ивана Крамского – «звезда первой величины».

Созданный в 1880-м «Морской пейзаж. Коктебель» – произведение кисти зрелого мастера, обладающего колоссальными знаниями и опытом в изображении морской стихии. К этому времени для Айвазовского уже не существовало трудностей технического порядка в том, как передать дыхание волны, её прозрачность, кружево пены. Он глубоко постиг состояние воздуха над морем.

Черное море у восточного берега Крыма с уютной бухтой Коктебель и древним вулканом Кара-Даг Айвазовский писал и в штиль, и в шторм, то грозным, то тихим, то торжественным, то ласковым. Неоднократно использовалась композиция с грядой скал, вдающихся в море, но всякий раз изменялся колорит, что решительно меняло произведение в целом. При этом художник нередко строил пейзаж на преобладании какого-то одного цвета.

В картине «Морской пейзаж. Коктебель» зеленоватый тон разлит повсюду. Его глубину и звучность усиливают контрастные дополнительные цвета – багрово-золотистый заходящего солнца и густо-лиловый горного мыса. Цвета эти довольно условны, но их созвучие так верно, что зритель невольно любуется прекрасной гармонией, подобной музыке.

Впечатлению торжественности образа способствует мотив заката и корабль, уходящий в плавание. Лучи низко повисшего над горизонтом солнца скользят по волнам, что позволяет художнику украсить полотно живописными эффектами: мастерски написать пронизанные светом вздыбленные волны, «разлить» дорожкой расплавленное золото солнечных бликов. Солнце, ослепляющее зрителя, позволяет обобщенно, силуэтом показать Кара-Даг, усилив ощущение его мощи (этому способствует и сопоставление скал с крошечными фигурками рыбаков).

7. Коровин Константин Алексеевич
1861, Москва – 1939, Париж
НОЧНОЙ ПАРИЖ. 1890-е
дерево, масло. 36×46 см
Инв. ж-572

Поступление: в 1963 г. приобретена в комиссионном магазине № 27, Москва. Ранее – собрание Б. Н. Грибанова, Москва.

Константин Коровин – один из первых и наиболее последовательных импрессионистов в русском изобразительном искусстве.

Живописное полотно «Ночной Париж» относится к серии «Парижей», начатых художником в конце 1890-х и занявших важное место в его творчестве.

В пейзажах западноевропейских импрессионистов этого времени значительное место занимали городские виды. Здесь их привлекала трудноуловимая жизнь мгновения, постоянная изменчивость, подвижность разноцветной толпы. Парижские бульвары были своеобразной творческой лабораторией для импрессионистов. Привлекали они и Коровина. Художник любил наблюдать Париж в разное время суток, в том числе вечером и ночью: в часы, когда озарённый огнями и яркими витринами город был особенно эффектен.

В его приподнято-праздничных «Ночных Парижах» зрителя особенно увлекает звучность контрастных цветов холодного иссиня-чёрного неба и горячих огней неспящего города. Не случайно за этими небольшими этюдами закрепилось название «Огни Парижа».

8. Маковский Константин Егорович
1839, Москва – 1915, Петроград
ЧАРКА МЁДУ. Около 1910
холст, пастель. 91×72 см
Инв. ж-1199

Поступление: до Великой Отечественной войны работа находилась в собрании Сталинской картинной галереи, в 1941–1945 гг. хранилась у местного художника Е. Е. Грейлиха, в 1945 г. поступила в Киевский государственный музей русского искусства (ныне – Киевский национальный музей русского искусства), в 1975 возвращена в Донецкий областной художественный музей.

Сюжет произведения отсылает нас к излюбленным Константином Маковским временам допетровской Руси. В боярские времена на Руси существовал особый обряд чествования гостей, который назывался «Поцелуйным». После окончания застолья в боярском доме к гостям выходила жена или дочь хозяина, и в знак уважения, подносила каждому чарку напитка, получая от гостя поцелуй в щеку. Этот обряд описан в романе Алексея Толстого «Князь Серебряный». По мотивам литературного произведения Константин Маковский пишет картину «Поцелуйный обряд» и несколько вариантов боярышень. В начале ХХ столетия художник вновь возвращается к этой теме, создавая портрет «Чарка мёду» – настоящий гимн красоте русской женщины.

Живопись мастера легкая, темпераментная и энергичная. Художник сочетает теплые коричневые тона с холодными голубыми, приводя их в единство общим золотистым тоном.

Эффектная, декоративная и таинственная «Чарка мёду» неизменно впечатляет зрителей, и долгие годы является своеобразной визитной карточкой Донецкого художественного музея, являясь связующим звеном между довоенной и послевоенной коллекциями музея.

9. Серебрякова Зинаида Евгеньевна
1884, с. Нескучное, Белгородский уезд, Курская губерния – 1967, Париж
ПОРТРЕТ ЕЛЕНЫ КАЗИМИРОВНЫ ЛАНСЕРЕ. 1911
холст, масло. 90×62 см
Инв. ж-1181

Поступление: в 1975 приобретена у А. Н. Лансере (сына изображённой), Ленинград. Ранее – собрание Е. К. Лансере, Ленинград.

«Портрет Елены Казимировны Лансере» был написан летом 1911 года в имении Нескучное на юге Курской губернии (ныне – село Нескучное близ Харькова). Изображена невестка Зинаиды Серебряковой – Елена Казимировна Лансере, которая была женой одного из старших братьев художницы – Николая Евгеньевича Лансере.

Молодая женщина стоит в светлой комнате «большого дома» в Нескучном; в открытую дверь, на фоне которой изображена портретируемая, видна вторая просторная комната с частью меблировки. Естественность позы подчёркнута движением рук. Тщательно выписано лицо с тонкими чертами и спокойным взглядом больших глаз. Тёмное платье молодой женщины чётким силуэтом выделяется на фоне светлой стены и дальнего окна, что придаёт портрету особую остроту. Это произведение было высоко оценено по прошествии многих лет художницей Анной Остроумовой-Лебедевой: «Портрет превосходен, очень хороша поза. … В портрете много грации, художественного творческого откровения. …И почти никакого сходства. Вообще ее портреты часто бывают непохожи. Все изображаемые ею женщины напоминают саму художницу. И нужно ли сходство?».

Заявления о несходстве модели с изображением не раз встречаются в суждениях о женских портретах Серебряковой, особенно применительно к раннему периоду ее творчества. Во многих работах проблема сиюминутного сходства отступала перед необходимостью более глубокого выражения душевной сущности натуры, ее личностной значимости.

10. Сорин Савелий Абрамович
1878, Полоцк, Витебская губерния – 1953, Нью-Йорк, США
ПОРТРЕТ КИНОАКТРИСЫ НАТАЛЬИ КОВАНЬКО. 1923
бумага на холсте, смешанная техника. 146×111 мм
Инв. гр-2322

Поступление: в 1977 г. передан из Государственной Третьяковской галереи, Москва. Ранее (1974) передан Министерству Культуры СССР вдовой художника А. С. Сориной по завещанию автора.

Савелий Абрамович Сорин – живописец, рисовальщик, портретист. Автор многочисленных портретов деятелей русской культуры. «Трижды прославленный»: сперва в России, а после вынужденной эмиграции – во Франции и в Соединенных Штатах Америки.

В портрете киноактрисы Кованько – особый соринский стиль и техника, созданные художником еще в 1920-е годы, до отъезда из России. В их основе – безупречный рисунок, а далее – акварель, карандаш, пастель, лак, поразительное, отмечаемое всеми сходство с моделью, и большой картинный формат, совершенно не свойственный графике.

Наталья Кованько – популярная в начале 1920-х годов во Франции и Германии киноактриса, незадолго до этого эмигрировавшая из России. Она блестяще владела мимикой, пластикой поз и телодвижений. Сорин обогащает её образ контрастами легкого светлого платья и темно-синей плотной ткани покрывала, неудобностью позы и выразительностью рук. Направленный в сторону взгляд спокойного лица довершает впечатление сложности характера модели.

Сорин искал в своих моделях красоту, «ловил» в их поведении тот идеальный момент, когда эта красота становится очевидна, и писал свою модель именно в этот момент. Так произошло и с Натальей Кованько.